3000 Plattenkritiken. Matthias Wagner

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СКАЧАТЬ Gitarrenpop, nur fehlt ihnen halt noch der Hit. Ihr Album allerdings hat die US-Charts schon geentert – und das trotz manch eigenwilligen Drehs der Songs, einem überraschenden Streichersätzlein hie oder einem aufsprühenden Miniriff da. Die Lieder, die der Sänger und Gitarrist Dan Wilson uns singt, sind schön; und wenn eine Gitarre mal reinbratzt in diese Schönheit, dann zerstört sie sie nie. Das Album für einen verlorenen Sommer.

      Sheryl Crow

      „The Globe Sessions” (1998)

      Der Ritterschlag kam überraschend. Bob Dylan schenkte ihr „Mississippi“, einen Song, den er selbst nicht verwenden wollte. Sheryl Crow findet das „großartig“, doch richtig nötig hat sie His Bobness’ Huld nicht mehr – 13 Millionen verkaufte Alben und fünf Grammys sind eine gute Basis fürs Selbstbewusstsein. Ihre neuen Songs sind verschleiernd poetisch oder rücksichtslos persönlich, und sie schöpft alle Klangmöglichkeiten aus, die man als erfolgreiche Künstlerin nun mal verfügbar hat. Zwischen markigem Rock und filigranem Kammersong, zwischen Bläserpracht und atmosphärischer Wurlitzer-Duftmarke – die Sängerin zieht abgeklärt die Register. Doch jene Verschmitzheit, die ihrem „Tuesday Night Music Club“ einst beim Durchbruch half, ist irgendwo unterwegs verloren gegangen. Vielleicht spürt man doch einen humorfernen Druck, wenn Dylan einem ein Lied schenkt. Zumal es wirklich besser war, es nicht selbst zu verwenden. Aus Qualitätsgründen.

      Simple Minds

      „Néapolis” (1998)

      Stadionrocker in der inneren Emigration: Jim Kerr und Charlie Burchill haben mit dem Label auch die Attitüde gewechselt, sich von Transglobal Underground Groovenachhilfe geben lassen und hinüber gelauscht nach Kontinentaleuropa, wo gerade alles auf Trance und Krautrock stand. Wie Jim Kerr die Zeilenenden aushaucht, das erinnert mehr denn je an Bono (oder erinnert Bono an Kerr?), und das locker trabende Rhythmusgefüge hat ebenfalls viel von U2. In die Bandgeschichte könnte „Néapolis“ als das kompakteste ihrer Alben eingehen. Was bedeutet: Sie stecken wenig Energie in Highlights, alle in (elektronische) Homogenität. Und trotzdem ragen zwei Songs heraus: „War Babies“ und das mit bestechendem Refrain versehene „Killing Andy Warhol“. Beide würden auch im Stadion funktionieren.

      Stina Nordenstam

      „People are strange” (1998)

      Es gibt schon seltsame Leute, stimmt. Und zu den seltsamsten gehört die scheue Stockholmerin Stina Nordenstam. Boris Plank, für dessen Band Yello sie mal ein Lied sang, erzählt, sie sei angereist, habe gesungen, sei abgereist. Kaum ein Wort; ein Gespenst aus dem Norden. Um so erstaunlicher, dass eine derart verkapselte Künstlerin sich nun, auf ihrem vierten Album, fremder Kunst zuwendet. Stina covert! Und wie. Manche Instrumentalspur klingt, als schabten zerklüftete Eisberge aneinander. Sie entbeint Songs wie „Love hurts“, wirft ihrem innersten Kern Lumpen über, bestreut ihn mit Staub und fiept dazu auf einzigartige Weise: fragil und verschliert wie ein Kind, das einsam auf einer Klippe sitzt und Wiegenlieder singt für seinen unsichtbaren Freund, an den keiner sonst glaubt. Manchmal plinkert roh ein Kinderklavier, manchmal schaut ein Streichquartett vorbei – und oft, wie bei „Purple Rain“ oder „Bird on the Wire“, brodelt eine raunende, beunruhigende Noisespur unter Stinas Flüstergesang. Irgendwo im Reich Scott Walkers siedelt sie, eine Monade im Nichts. Und diese Platte ist das seltsamste Stück großartiger hermetischer Musik seit Nicos „Marble Index“.

      Tanita Tikaram

      „The Cappuccino Songs” (1998)

      Der „Twist in my Sobriety“ ist zehn Jahre her. Tanita Tikaram spielte seither einige Alben ein, doch kein so gutes wie jetzt. Das liegt an seiner reizvollen Altmodischkeit: keine Grooves, keine Samples, kein Hinternlecken bei den 16-Jährigen. Sie hat sich für einen veralteten Stil entschieden, der mit seinen manchmal antizyklisch platzierten Streichern an den Westcoastpop der 70er erinnert. Und ihr verschleierter Gesang über Beziehungskisten legt sich matt in diesen Sound. Wenn sie „I’m happy to be with you“ singt, scheint sie keinen Lover zu meinen, sondern ihren Tranquilizer. So singt niemand sonst! Kein Muntermacheralbum, aber sicher eine gute Freundin für die nächsten Jahre.

      The Artist

      „New Power Soul by New Power Generation” (1998)

      Also, das ist das neue Album des Typen, der früher Prince hieß, dann als „Symbol“ im Gespräch war, sich schließlich „The Artist formerly known as Prince“ rufen ließ oder, weil das zu umständlich war, kurz T.A.F.K.A.P., was er nun zu „The Artist“ verdichtet. Musik macht D.U.D.L.S.E.P.P.L. („Der Urige, Der Larifari Spielt, Seit Er Prince Platzen Ließ“) seit seiner Identitätskrise nicht mehr so dolle – um aufzufallen, muss er sie schon übers Internet vertreiben –, und die Plattenfirmen wechselt er inzwischen so oft wie einst die Gespielinnen. Auf seinem neuen Album indes bemüht er sich um alte Stärken: scharfen Jazzfunk mit vielen Sidesteps, klare Songs und heiße Hooklines, schroffe Bläser und Bässe. Doch alles klingt nur solide, handwerklich sauber, fein wegproduziert – und ziemlich belanglos.

      The Band

      „The Jubilation” (1998)

      Sie sind die Lordsiegelbewahrer uramerikanischer Musik, und selbst in der (um Robbie Robertson) reduzierten Besetzung klingen sie nach dem Schlamm des Mississippi, dem Ächzen der Güterzüge und dem Wind in den Baumwollfeldern. Für Eric Clapton und John Hiatt ist es natürlich eine Ehre, mitzuspielen. Levon Helm, der singende Drummer, will so gute Songs schreiben, „dass du es nicht aushalten kannst, sie nicht zu hören“. Das ist der Band in der Vergangenheit schon oft geglückt, etwa mit „The Weight“ oder „It makes no Difference“. Und diesmal, mit ihren mandolinentrunken Arrangements, sind sie zumindest oft verdammt nah dran.

      The Bogmen

      „Closed Captioned Radio” (1998)

      1996 raunte mancher von den „neuen Talking Heads“, doch das Debüt war wohl zu ideenreich, um entsprechenden Erfolg zu haben. Und vielleicht hat der Sänger Bill Campion doch zu wenig Wahnsinn in Stimme und Augen, um die Massen so zu hypnotisieren wie David Byrne. Doch musikalisch gibt es Gemeinsamkeiten. Die Bogmen – vier Amerikaner, ein Kanadier – spielen geschmeidigen Collegekunstrock, dessen dunkle Seiten in der Tiefe der Arrangements lauern. „Wir sprechen zu den Verlorenen, den Marginalisierten“, prahlt Gitarrist Bill Ryan drei Spuren zu pathetisch, aber so wie der Mann Gitarre spielt, würden wir ihm ganz andere Sachen durchgehen lassen. „Tu deinem Hirn einen Gefallen“, raten die Bogmen, „nutz es oder lass es.“ Okay.

      The King

      „Gravelands” (1998)

      Sein Prinzip ist simpel: Er verkleidet sich als Elvis und covert in dessen Stil fremde Songs, aber nur die von Toten. Der letzte, der sich so fürs King-Repertoire qualifizierte, war Brian Connolly („Blockbuster“). Was anmutet wie die morbid-schrille Idee eines Presley-Lookalikes, entpuppt sich als ernste Coverkunst, die der Ire mit Inbrunst rüberbringt. Wenn er Tim Buckley singt, hört sich das an, als würde Buckley Elvis singen. Oder umgekehrt. Und wer seine Fassung von Ian Curtis’ „Love will tear us apart“ gehört hat, begreift, wie nah dieses Stück auch dem Fetten aus Memphis gewesen wäre, hätte er es noch erlebt. Den einzigen Witz, den der King sich leistet, ist der Albumtitel. „Gravelands“ für Graceland. Höhnisches Höllenlachen. Und Abgang.

      The СКАЧАТЬ